Qué Hace un Buen Logo

¿Qué hace un buen logo? Un buen logotipo tiene que ser distintivo, apropiadas, prácticas, gráfico, de forma sencilla, y que transmite el mensaje deseado.

Hay cinco principios que se debe seguir para asegurar que esto sea así …

Un logotipo eficaz (en ningún orden particular):

* Simple
* Memorable
* Perdurable
* Versátil
* Adecuadas

1. Simple

Logotipo de Metro de Londres

La simple diseño del logo permite un fácil reconocimiento y permite que el logotipo sea versátil y memorable. Logotipos debe tener una buena característica algo único sin ser descubierto.

Se pone de manifiesto toda una consideración de diseño muy importante. Logotipos simples son a menudo fáciles de reconocer, increíblemente memorable y la más eficaz en la transmisión de los requisitos del cliente. La identidad de algo refinado también debe llamar la atención de un espectador, trenes de señalización a 70 millas por hora, en los envases en los atestados anaqueles de una tienda, o en cualquier otro vehículo utilizado para la publicidad, marketing y promoción. Recuerde, la base de la marca internacional sumamente eficaz para el fabricante de calzado más grande del mundo es muy simple.

2. Memorables

El logo de McDonalds

Siguiendo de cerca tras el principio de la simplicidad, es la de recuerdo que sea memorable. Un diseño de logotipo efectivo debe ser memorable y esto se logra con un sencillo, pero adecuado logotipo.

Para sorpresa de muchos, el tema de un logotipo es de una importancia relativamente pequeña, e incluso la adecuación de los contenidos no siempre juegan un papel importante.

Esto no implica que la adecuación es indeseable. Se limita a indicar que un uno-a-uno entre un símbolo y lo que simbolizaba es muy a menudo imposible de alcanzar y, bajo ciertas condiciones, objetable. En última instancia, el unico mandato en el diseño de logotipos, lo que parece ser, es que sea distintivo, memorable, y claro.

3. Perdurable
Coca-Cola-logo

Un logotipo eficaz debe ser intemporal - es decir, que resistirá la prueba del tiempo. ¿El logotipo aún sea eficaz en 10, 20, 50 años?

Deja las tendencias de la industria de la moda - Las tendencias vienen y van, y cuando estás hablando de cambiar un par de jeans, o comprar un vestido nuevo, que está bien, pero cuando se trata de su identidad de marca, longevidad es la clave. No sigas a la manada. Destacate.

Probablemente el mejor ejemplo de un logotipo atemporal es el logotipo de Coca-Cola … si se compara con el logotipo de Pepsi a continuación, puede ver qué tan eficaz la creación de un logotipo atemporal puede ser. Observe cómo el logotipo de Coca-Cola ha cambiado apenas desde 1885? Diseño que es intemporal.

4. Versátil

WWF Logo

Un logotipo eficaz debe ser capaz de trabajar a través de una variedad de medios y aplicaciones. Por esta razón, un logotipo debe ser diseñada en formato vectorial, para asegurarse de que se puede escalar a cualquier tamaño. El logotipo debe ser capaz de trabajar tanto en formato horizontal y vertical.

Pregúntate a ti mismo, es un logotipo sigue siendo eficaz si:

* Impreso en un solo color?
* Impreso en algo tan grande como una valla publicitaria?
* Impreso en sentido inverso (es decir, el logotipo de luz sobre fondo oscuro)

Una forma de comenzar la creación de un logotipo versátil es comenzar a diseñar en blanco y negro. Esto permite centrarse en el concepto y la forma, en lugar de la naturaleza subjetiva del color. Hay que recordar también los costes de impresión -a más colores utilizados, más costoso será para la empresa en el largo plazo.

Me gusta trabajar primero en blanco y negro para asegurar que el logotipo se verá bien en su forma más simple. El color es muy subjetivo y emocional. Esto puede distraer la atención de la concepción global - por ejemplo, si has visto su logo en todos los rojos, que el color puede ser la primera cosa que responder y no la composición de los elementos de diseño. Ni siquiera la posibilidad de presentar sugerencias de color para un cliente para su revisión hasta que se firmó en un logotipo en blanco y negro final.

~ Patrick Winfield

También hay que conocer y familiarizarse con el proceso de impresión comercial a fin de no entrar en problemas de impresión. Aprender a conocer la diferencia entre el CMYK, Pantone y los sistemas de color RGB. Cuando el diseño de logotipos, se recomienda el sistema de color Pantone.
5. Apropiado

ToysRUs Logo

¿Cómo se coloca el logo debe ser apropiado para los fines previstos. Por ejemplo, si está diseñando un logotipo para tienda de juguetes de los niños, sería apropiado utilizar una fuente infantil y esquema de color. Esto no sería tan apropiado para un bufete de abogados.

También es importante señalar que en un logotipo no es necesario mostrar lo que una empresa vende u ofrece como un servicio. es decir. Logotipos de coches no es necesario mostrar los coches, los logotipos de equipos pc no es necesario mostrar los ordenadores. El logo de las motocicletas Harley Davidson no es una moto, ni el logotipo de Nokia es un teléfono móvil. Un logo es puramente para su identificación.

Para una prueba más de ello, toma las mejores 50 marcas del mundo - el 94% de los logotipos no describen qué hace la empresa.

Paul Rand también tiene algo que decir sobre este tema:

En caso de un logotipo se explica por sí mismo? Es sólo por asociación con un producto, un servicio, un negocio o una empresa que lleva un logotipo en un real significado. Un logotipo deriva su significado y utilidad de la calidad de lo que simboliza. Si una empresa es de segunda categoría, el logotipo de la larga será percibido como de segunda categoría. Es insensato creer que un logotipo hará su trabajo de inmediato, antes de que una audiencia haya sido acondicionada adecuadamente.

Sintesis y Analisis Kandinsky

Kandinsky comenzó a trabajar en la Bauhaus a mediados de 1922 y tomó a su cargo el taller de pintura mural así como una clase de Morfología del Color.

Al igual que Klee, Kandinsky desarrolló sistemáticamente sus clases partiendo también de la síntesis y el análisis.

En 1912 en su libro Sobre lo espiritual en el arte, Kandinsky ya se había ocupado del carácter de determinados colores y cómo el aprendizaje del color había tenido un papel secundario en las clases de Itten , el anuncio de su curso de color vino a llenar un hueco importante.

Partiendo de los colores rojo-amarillo-azul y las formas círculo-triángulo-cuadrado, Klee estudio la interacción de las formas y el color.

Asimismo a través del dibujo analítico invitaba a sus alumnos a descubrir las líneas principales y la tensión compositiva de una naturaleza muerta hasta obtener la estructura coherente de un cuadro abstracto.

Este dibujo analítico se ha de entender como una especie de sistematización de sus años de lucha por la pintura abstracta.

Fotografiar cuadros: dos obras de arte en una

Fotografiar cuadros: dos obras de arte en una

Realizar fotografías de cuadros es otra de esas disciplinas fotográficas un tanto molestas. Pocos son los que se especializan -tanto en técnica como en equipo- en ella, pero son muchos los que en alguna ocasión la han practicado: ¿quién no ha ido alguna vez a una pinacoteca? Los problemas, en cualquier caso, siempre son los mismos: “pelotazos” de flash, colores irreales o cuadros cortados… Veamos si todo esto tiene solución. Por Eduardo Parra
http://www.quesabesde.com

Eduardo Parra, fotoperiodista.

Siempre habrá alguna ocasión en la que nos toque fotografiar un cuadro. En este reto, compactas y réflex digitales están casi a la par, puesto que los elementos técnicos que vamos a necesitar están tanto en las unas como en las otras. De idéntico modo, las pegas que nos va a poner un tipo de cámara también nos las va a poner la otra.

Empecemos por la luz

Lo primero que hay que tener presente es que tendremos que recurrir, siempre que nos sea posible, a un trípode. Los cuadros no se van a mover, por lo que con un punto de apoyo podremos servirnos de varios segundos de exposición.

Pero si en algo tenemos que ser escrupulosos a la hora de fotografiar un cuadro es en ser fieles, al cien por cien, a sus colores. Un cuadro de El Bosco tiene sus colores: negros que son negros y rojos que son rojos, miles de matices y decenas de tonalidades intermedias. Lo que no podemos hacer -o al menos, no debemos- es obtener una fotografía con negros pardos, rojos anaranjados o matices, a su vez, matizados.

Hay dos elementos principales que pueden falsear los colores: el balance de blancos y la luz reflejada.

El balance de blancos debemos, literalmente, clavarlo. No vale una aproximación. Si nuestra cámara dispone de un modo de ajuste manual, hemos de usarlo. Por regla general, la iluminación de los museos es uniforme y muy difusa, con lo cual no tendremos, en teoría, excesivos problemas. Estos pueden aparecer cuando, aparte de la iluminación artificial -tungstenos, generalmente-, existen ventanas que dejan pasar la luz blanca del sol. Atentos a este pequeño detalle, puesto que las combinaciones de luz pueden confundir a los equipos.

Nikon D100, f4, 1/160 s © Eduardo Parra, quesabesde.com.

de 1600×1064 (150 KB)

Un balance de blancos erróneo puede inutilizar la foto, ofreciéndonos colores irreales.

La luz reflejada en las paredes es el segundo -y quizás el más grave- problema con el que podemos encontrarnos. Como casi siempre ocurre, los espacios no se diseñan pensando en los fotógrafos. En algunos museos las paredes están pintadas de colores distintos del blanco, provocando dominantes, fotográficamente hablando, terribles.

Para atacar este problema, la mejor arma es el retoque digital en el ordenador. Se toma una fotografía de muestra, con un blanco de referencia que luego se utilizará para hacer los ajustes (muchas veces, el panel de información que está junto a cada obra es más que suficiente). Sin un blanco de referencia, sería prácticamente imposible hacer una corrección fiable al cien por cien en el ordenador.

Nikon D100, f4, 1/60 s © Eduardo Parra, quesabesde.com.

Las paredes de colores son un terrible enemigo: pueden provocar que todas las luces queden “contaminadas” de color.

Otros detalles

En la fotografía de cuadros, el flash es uno de esos elementos casi siempre prohibidos, sobre todo si no disponemos de un buen par de flashes de estudio. Los flashes integrados son totalmente inútiles, salvo que recurramos a algún truquillo fotográfico. Y ello se debe a que los cuadros, sobre todo los más antiguos, están cubiertos por una capa protectora que los hace muy brillantes y propensos a los reflejos.

1. Nikon D100, f4 1/60 s, 400 ISO

Nikon D100, f4 1/60 s, 400 ISO © Eduardo Parra, quesabesde.com.

Con flash directo (1) o flash rebotado (2), los destellos y los cuadros no se llevan nada bien. Lo mejor es evitarlos.

Salvo cuando sea imprescindible utilizar el flash -por escasez de luz, por ejemplo-, la técnica más útil consiste en alejarse un poco hasta lograr que el destello salga por encima del cuadro, recortando la toma, si es necesario. Por desgracia, cuanto más nos alejamos, más posibilidades hay de que se introduzca en la exposición la luz ambiente, con lo cual volvemos al problema de la fidelidad del color. Para minimizar este último inconveniente, reduciremos al máximo la sensibilidad, cerraremos el diafragma y aumentaremos la velocidad, buscando que la única luz que llegue al sensor sea la propia del flash.

En lo que respecta a diafragmas y focales, la cosa es sencilla. Dado que el cuadro es plano, un diafragma abierto es ideal: ganamos luz y no corremos riesgo de perder foco. Tan sólo hay que tener cuidado de que nuestra abertura no cause “viñeteo” y, en caso de que lo haga, cerrar un poco el diafragma.

Olympus Camedia C-460 Zoom, f3.1, 1/6 s, 100 ISO

El uso de focales cortas, sobre todo en cámaras de gama baja, puede ocasionar distorsiones geométricas muy fácilmente visibles en los marcos de los cuadros.

Con las distancias focales tampoco hay mayores problemas. Ante todo, deben evitarse los extremos -angular y tele- para minimizar las distorsiones geométricas. Por cierto, una buena focal para estos casos suele ser la de 50 mm, similar al ángulo de visión del ojo humano.

Eduardo Parra
Fotoperiodista

Necesito trabajo? Ventajas y desventajas del Freelance

Nosotros como diseñadores gráficos habremos escuchado en varias oportunidades el término: Freelance, para los que aun no tienen claro de que trata esta forma de trabajo, les tengo una definición explicando en que consiste y las ventajas y desventajas que puede implicar el trabajo freelance:

Se denomina trabajador freelance o freelancer (o trabajador autónomo, e ndependiente) al diseñador grafico cuya actividad consiste en realizar trabajos propios de forma autónoma, para terceros que requieren sus servicios para tareas determinadas, que no son pagadas de acuerdo al tiempo empleado sino del resultado obtenido, sin que las dos partes contraigan obligación de continuar la relación más allá del encargo realizado.

Esto quiere decir que el diseñador es el que se encarga de administrar sus horarios y de pactar una fecha de entrega, no está sujeto a ningún tipo de contrato y puede realizar varios trabajos para distintas empresas, cobrando por proyectos realizados o diseños aprobados.

Ventajas y Desventajas

Las diferencias entre el trabajo freelance y el empleo fijo pueden significar una ventaja o una desventaja para el freelancer según sean sus características personales.

Así, por ejemplo, en general el trabajador freelance tiene una mayor variedad de asignaciones que en un empleo regular, y casi siempre tiene más libertad de escoger su horario de trabajo. Esto representa una ventaja para quien guste de una labor creativa y tenga la capacidad de administrar debidamente su tiempo de trabajo pero si el trabajador en cuestión prefiere el trabajo rutinario o carece de autodisciplina en cuanto al tiempo de trabajo, la modalidad le significará una desventaja.

El mismo razonamiento vale en el aspecto económico. Se considera en general que el trabajo freelance recibe mejor retribución que el fijo pero carece de beneficios laborales tales como seguro médico o indemnizaciones de retiro y está sujeto a una posibilidad de variación en los ingresos. También aquí es importante la personalidad del freelancer porque le requiere prever por sí mismo la cobertura de tales riesgos (enfermedad, edad avanzada, disminución temporal de ingresos, etc.)

Otro aspecto a considerar es que, en general, el freelancer se debe preocupar por la obtención de nuevos clientes, la realización de nuevos productos, la actualización de sus conocimientos, etc. lo cual, a su vez, le brinda la oportunidad de incrementar sus ingresos e incluso, a veces, la de iniciar una empresa o la de obtener un empleo fijo de relevancia. Sin embargo, hay personas que no tienen la capacidad o la voluntad para aprovechar esas ventajas y que, por el contrario, hallarán más conveniente un empleo fijo con menores ingresos pero también con menores requerimientos y riesgos.

A veces un freelancer trabajará con uno o más freelancers o vendedores para formar una “agencia virtual” para servir a las necesidades particulares de un cliente para un trabajo o asignación de corto plazo o permanente. Este versátil modelo de agencia virtual puede ayudar a un freelancer a conseguir trabajos que requieren de experiencias y destrezas específicas y segmentadas fuera del ámbito de un individuo. A medida que cambian los clientes, de la misma manera pueden cambiar la base de talentos que una agencia de este tipo escoja para sus proyectos.